Progressive

Intervista Gazpacho (Thomas Andersen)

Di Fabio Vellata - 31 Ottobre 2025 - 12:00

Sin dall’anno del loro esordio (2003), i Gazpacho si sono sempre confermati come una band dal suono multiforme, sfaccettato e ricco di sfumature.
Il loro nuovo album “Magic 8 Ball“, prosegue sulla strada di un progressive – art rock, intenso e stratificato, carico di immagini e sottotesti che necessitano di un po’ di pazienza e qualche ascolto aggiuntivo per essere assimilati e fatti propri.
Ne abbiamo parlato diffusamente con Thomas Andersen, tastierista e fondatore del gruppo norvegese.

Intervista a cura di Fabio Vellata con la collaborazione di Roberto Gelmi

Ciao Thomas, Fabio e Roberto qui, da www.Truemetal.it. Per noi è un vero piacere intervistarti. Le nostre sincere congratulazioni per il vostro nuovo CD, un album intenso e di alta qualità, come sempre.

Ciao ragazzi e grazie per le vostre gentili parole!

“Magic 8-Ball” è il vostro primo album in cinque anni. Come è cambiata la vostra prospettiva musicale o il vostro processo creativo in questo periodo, e come si riflette nel nuovo lavoro?

Il processo creativo rimane sempre lo stesso. In realtà non abbiamo mai cambiato nulla. Ci riuniamo e creiamo musica strumentale con un’atmosfera che ci piace, poi arriva l’incredibile voce di Jan Henrik quando la parte strumentale è finita. Lui si rifiuta di ascoltare prima le tracce: preferisce entrare in studio, mettere le cuffie e lasciare che tutto accada nel momento in cui sente la musica per la prima volta! A volte siamo fortunati e le buone coincidenze creano una canzone. Altre volte la musica non lo ispira e allora la abbandona. Spesso per la nostra grande frustrazione, haha, ma è così che lavoriamo da circa trent’anni.

L’album ruota attorno ai concetti di destino, caso e scelte che ci definiscono. Puoi spiegare come la metafora della Magic 8-Ball (il famoso giocattolo che predice il futuro) si collega al tema dell’inevitabilità contro la responsabilità personale?

Quando abbiamo abbandonato l’idea di Dio come forza superiore, ci siamo messi al comando dell’universo… e che pessimi maestri siamo stati! La sete di seguire la teoria scientifica come unica risposta ci ha fatto dimenticare che, dietro la vecchia visione del mondo, c’erano anche tradizione, identità, speranza ed essenza dell’umanità, che abbiamo buttato via in fretta senza pensare alle conseguenze. Questo ci ha lasciati soli, a girare in una sfera nello spazio, guidati solo dal caso. Questo è simboleggiato nell’album dalle storie di queste persone che escono come le risposte di una Magic 8-Ball. Un semplice giocattolo di plastica!

Avete accennato al fatto che l’album è strutturato come una serie di “racconti brevi”. Puoi parlarci di uno o due personaggi presenti nelle canzoni (ad esempio, in “Starling” o “Gingerbread Men”) e del loro momento di rottura?

In “Starling” c’è una coppia in cui l’uomo pensa che, se mostrerà il suo vero io alla partner, lei lo lascerà. La canzone parla della differenza tra amore condizionato e incondizionato; lui non crede nel proprio valore e pensa che lei stia con la sua proiezione perfetta, non con lui. È certo che, appena smette di recitare il suo ruolo e mostra il suo vero sé, lei lo abbandonerà; per questo il motivo centrale del testo è questa persona con uno storno sulle spalle. Deve restare immobile, altrimenti l’uccello vola via. È una situazione bloccata: nessuno vuole stare con qualcuno che ha paura di aprirsi veramente, e nessuno vuole essere quella persona, quindi restano intrappolati in un ciclo infinito di menzogne.

In “Gingerbread Men” troviamo una persona che si è trasferita in città e si ritrova sommersa da essa: l’architettura austera, il traffico, il rumore dei caffè e le interminabili file di pendolari con i volti cupi. Desidera la pioggia come un segno dal cielo che la città deve essere lavata via, che bisogna tornare a uno stato più naturale, ma scopre che anche lui si dissolve quando arriva la pioggia. Proprio come tutte le altre persone. Sono uomini di pan di zenzero che si sciolgono nella pioggia. La canzone parla di come tutti siamo uno di questi “tutte le persone” e prima o poi scompariremo come loro. Si tratta di quanto siano piccole le nostre vite e di quanto sia importante non essere piccoli dentro di esse.

Il primo singolo, “8-Ball,” con il suo video ispirato alle sette e al culto del caso, è molto intenso. Quanto è importante per voi l’aspetto visivo e narrativo nel trasmettere il messaggio dell’album?

È davvero molto importante. L’artista spagnolo Antonio Seijas lavora con noi già dai tempi dell’album “Firebird” ed è quasi diventato come un settimo membro della band. La sua arte ha due scopi: innanzitutto, fa parte dell’opera stessa. Un pezzo di Antonio unito alla musica rende il pacchetto completo e la sua interpretazione influenza molto il nostro modo di intendere le canzoni. Inizia quando i brani sono solo demo e, a volte, vediamo la sua opera e adattiamo i testi a ciò che ha dipinto. Il secondo scopo è esistere: vogliamo che un album dei Gazpacho sia qualcosa che possiedi, diverso da tutto il resto, e quello che fa Antonio è perfetto.

Nel video di “8-Ball” abbiamo lavorato con Matthew Wickerstaff, straordinariamente talentuoso, che ha subito capito che sarebbe stato interessante immaginare una setta che adora la Magic 8-Ball e come si pubblicizzerebbe. Volevamo che il video ricordasse quelle strane VHS che le sette diffondevano negli anni ’90 per reclutare membri, e crediamo di avere trovato una soluzione grandiosa.

Il vostro sound è noto per essere atmosferico e ricco di stratificazioni, ma avete detto che questo album è “più focalizzato” e senza “peso inutile.” Quali scelte avete fatto, a livello di arrangiamenti e produzione, per ottenere maggiore chiarezza e tensione?

Abbiamo deciso di essere meno indulgenti coi lunghi passaggi strumentali. Dall’album “Night” in poi abbiamo cercato di rendere la musica ipnotica utilizzando ritmi ripetitivi, per creare un’atmosfera da trance. In “Magic 8-Ball” abbiamo deciso di mettere da parte questa tecnica e concentrarci su brani che funzionano di più come canzoni, benché nel nostro stile particolare. Abbiamo registrato meno tracce e cercato di rendere gli arrangiamenti più stretti, cosa di cui c’era molto bisogno. Nell’ultimo album, “Space Cowboy,” c’erano più di 200 tracce, una follia da mixare.

Avete una particolare routine o ambiente creativo che vi aiuta a entrare nel giusto stato mentale?

La creatività arriva quando la mente è libera e annoiata, così può lavorare su ciò che desidera davvero. Cerchiamo di usare il telefono il meno possibile e di concederci dei momenti di silenzio. Tutte le migliori idee arrivano sotto la doccia: è uno degli ultimi posti dove la mente è libera dalle distrazioni. La nostra routine è ritrovarci e lasciare il mondo fuori, concentrandoci solo sulla musica che amiamo. Ci sono volte in cui Jon Arne viene a casa mia, suoniamo per 10-15 ore senza interruzioni, e quando se ne va mi rendo conto che non abbiamo mai parlato di nulla che riguarda la nostra vita personale. Siamo grandi amici, ma quando lavoriamo isoliamo tutto il resto.

Quando lavorate a un nuovo album o progetto, avete già in mente un tema o concetto unificatore fin dall’inizio?

No, di solito ci viene mentre lavoriamo. Per quanto possa sembrare strano, pensiamo che la musica abbia delle proprie richieste e che il nostro compito sia lasciare che le abbia. Titolo, soggetto, contenuto… tutto arriva in modo organico e si amalgama magicamente.

Avete collaborato con Thomas Juth (mixing) e Hans Olsson (mastering). Come il loro contributo ha plasmato o migliorato l’atmosfera di “Magic 8-Ball”?

Avere un mixer esterno e un tecnico del mastering ci permette di tenerci focalizzati sulla composizione e la registrazione della musica. Spesso produciamo e mixiamo in corso d’opera, ma è pericoloso: appena inizi a mixare, ascolti il brano come ingegnere, non più come musicista o ascoltatore. Se stai componendo qualcosa pensando alla compressione su un rullante, perdi contatto con la musica. Sapere che Thomas Juth si sarebbe occupato del suono ci ha permesso di rilassarci, lasciandogli fare il suo lavoro in tranquillità; è stato bellissimo e fondamentale per completare l’opera.

Che ruolo hanno produttori, tecnici del suono o altri collaboratori nel vostro processo creativo?

Come dicevo, loro sono quelli che raccolgono la maggior parte delle idee che lanciamo. Ci sono pensatori e realizzatori e, purtroppo, raramente queste qualità si riuniscono in una sola persona. Avere dei realizzatori a disposizione che concretizzano le idee ci permette di essere liberi e creativi.

Mikael Krømer suona violino e chitarra ed è centrale per il vostro sound. Come viene usato il violino per intensificare il lato emotivo e narrativo dei brani?

Il violino è uno strumento classico europeo, anche se ovviamente le sue origini sono globali. Probabilmente deriva dall’arco di caccia. Non avendo tasti, non è mai perfettamente intonato, e credo che questa sia la sua forza. L’abuso dell’auto-tune mi sembra piatto, e le piccole imperfezioni dell’intonazione aggiungono intensità emotiva al violino; è un elemento umano e, a mio avviso, non ce n’è mai abbastanza. Se ascoltate “Let It Be,” la voce di McCartney non è perfetta, ma nessuno se ne lamenta. È questo che rende una canzone reale.

Siete spesso associati all’Art Rock/Progressive Rock. Quali band o artisti contemporanei pensi che, pur operando anche in generi diversi, condividano il vostro approccio nel fondere musica, emozione e narrazione? Conosci i Leprous?

Amo i Leprous, sono fantastici! Ma non sento che i Gazpacho siano una band prog come viene inteso oggi. Mi piace pensare che abbiamo in comune alcune qualità con artisti come FKA Twigs, che adoro, Kae Tempest, Massive Attack e simili, oltre ai grandi come Kate Bush, Genesis, Marillion e forse anche Tori Amos nei suoi momenti migliori. Credo ci siano affinità con tutti loro, pur mantenendo qualcosa di unico.

Con l’uscita di un nuovo album arriva anche il tour. Quali sono gli aspetti più impegnativi e allo stesso tempo gratificanti nel tradurre dal vivo brani così complessi e stratificati?

Ci pentiamo sempre di tutti quegli accordi che mettiamo nelle canzoni ogni volta che proviamo per il tour! La vita ora è più facile con la nuova tecnologia: la maggior parte delle tastiere che uso sono facilmente replicabili come strumenti VST, quindi posso suonare come sul disco e il suono è identico. Lo stesso vale per le chitarre: usiamo simulazioni di amplificatori che, secondo me, suonano bene come quelli veri e sono molto più comodi da portare in aereo. Fortunatamente Mikael Krømer è ingegnere e si occupa di sincronizzare le proiezioni con la musica dal vivo in tutte le diverse sedi in cui ci esibiamo, con i loro vari setup. Così abbiamo un grande controllo tecnico per i concerti. Per quanto riguarda le stratificazioni, dedichiamo molto tempo in sala prove a chi suona cosa, e anche a registrare diverse versioni delle prove per poi rivederle a casa e capire cosa funziona. Può diventare una partita matematica, a volte io suono una parte di chitarra usando un suono simile sulle tastiere, mentre Mikael può fare una parte di tastiera su un mandolino elettrico, ma ci adattiamo con quello che abbiamo. Essere sei aiuta molto.

Come influenzano il vostro lavoro elementi non musicali, come la letteratura, il cinema o le arti visive?

Siamo sempre stati ispirati da tutti questi elementi. Non so come, ma entrano nella testa in modi diversi. In realtà non sappiamo davvero cosa facciano, ma “Night” ad esempio, è ispirato alla “Ricerca del tempo perduto” di Proust, che fu scritta a letto ed è di per sé un sogno di tempi passati. L’album “Molok” fu ispirato da un libro scientifico che lessi sull’entropia, mi sfugge il titolo. Tutto è ispirazione. Una delle grandi fortune di essere in una band è che sei sempre alla ricerca di materiale, e questo rende la vita ancora più emozionante! Come una caccia al tesoro quotidiana!

La vostra musica è sempre stata profonda e concettuale. Se doveste usare un singolo aggettivo o una breve frase per descrivere la sensazione che sperate il pubblico provi ascoltando “Magic 8-Ball” dall’inizio alla fine, quale sarebbe?

Spero che provino speranza. Che tutto andrà bene. Che l’universo non è un luogo freddo e spietato di morte o governato dal caso matematico, ma un posto di meraviglia e bellezza perché noi ne facciamo parte.

(Fabio) Ho avuto l’opportunità di vedervi qui dal vivo in Italia alcuni anni fa al famoso Veruno prog festival. Nel corso degli anni, questo evento è diventato uno dei più grandi festival dedicati al genere in Europa. E forse anche nel mondo. Vi ricordate ancora di quella sera?

Sì, assolutamente. Ricordo di essere arrivato col tour bus e tutti siamo stati d’accordo che, dopo tutte le volte che abbiamo visto l’Europa, l’Italia è senza dubbio il paese più bello del mondo. Anche il nostro cinico autista era d’accordo. Le montagne che abbiamo attraversato erano stupende. E ricordo anche il palco piuttosto grande e il pubblico scatenato! Proprio come ci piace.

Siete mai tornati in Italia e magari lo farete nel prossimo futuro?

Vogliamo tornare in Italia e abbiamo già chiesto al nostro tour manager di includerla nel prossimo tour, vedremo se ci sarà qualche venue disposta a ospitarci e se ci saranno le risorse. L’Italia è sempre un piacere per ogni musicista e speriamo davvero di tornarci.

Grazie mille per il vostro tempo prezioso. È stato davvero un piacere porvi queste domande. I più cordiali saluti e buona fortuna!

Grazie ragazzi! Spero di vedervi in Italia presto. Fateci sapere se ci sono festival adatti, ci piacerebbe davvero venire nuovamente da voi!!!